Los retratos son el tema más popular para fotógrafos, pero la fotografía de gente es notoriamente difícil sin acabar con expresiones artificiales de "diga queso". Te damos consejos de sentido común sobre composición para capturar una gran variedad de estilos. Cubriremos técnicas que favorecen al sujeto y eliminan desorden de fondo.
Tradicionalmente, el retrato se toma con la cámara en vertical (formato retrato), adaptándose a las proporciones de la cara y permitiendo espacio extra para cabello y escote. Lo hacemos instintivamente.
Pero no tiene por qué ser así. El formato horizontal (paisaje) puede producir retratos igualmente interesantes. Aunque intentamos no recortar caras, no importa perder un poco de barbilla, orejas o línea del cabello. De hecho, recortar cerca a menudo mejora la toma al eliminar fondo potencialmente desordenado. El sujeto sigue siendo reconocible y la foto parece más espontánea e interesante.
Los retratos formales verticales adornan chimeneas, pero pueden parecer posados. Muchos preferimos instantáneas con carácter. No significa que tu técnica deba verse forzada, pero es bueno tener a la gente haciendo algo activamente (el horizontal permite espacio extra para el entorno), o capturados con la guardia baja con expresión natural.
Ya sea retratos formales o candids, varía tu posición. Es mejor que el sujeto mire ligeramente hacia arriba a la cámara, enfatizando sus ojos. No dispare desde abajo, a menos que tu tema esté orgulloso de sus fosas nasales.
No es difícil montar un mini-estudio en casa, ni tiene que ser permanente. Solo necesitas: selección de telones de fondo para colgar detrás de los modelos (cortinas son más fáciles y baratas que telones profesionales) y una sola lámpara (tungsteno o flash). Dos lámparas son mejor, pero requieren más experiencia.
Usa un reflector para iluminar el lado sombreado de la cara. Discos reflectantes diseñados son más fáciles, pero una gran cartulina blanca funciona igual. En condiciones controladas, explora completamente diferentes modalidades de composición, especialmente cómo las líneas (brazos, líneas de visión) afectan tus resultados.
La línea de visión del sujeto tiene fuerte impacto compositivo, tan poderosa como líneas reales. Tendemos a relacionarnos mediante contacto visual; en un retrato, es lo primero que buscamos. Si el modelo no nos mira, sino a otra cosa, seguimos su mirada como una flecha de neón gigante.
Estas líneas virtuales son tan fuertes que si alguien mira fuera del encuadre, el efecto domina toda la estructura de la fotografía. En el módulo ocho se aconseja trazar fotos favoritas a mano y dibujar líneas de movimiento. En fotografía de gente, la línea más recta y grande es la mirada del sujeto.
Debes tenerlo en cuenta al posicionar sujetos en el encuadre. Para equilibrio visual, haz espacio para que "respiren". La regla de los tercios tiene especial relevancia: los retratos parecen más interesantes y dinámicos si los ojos están en un tercio, no en el centro.
Esta idea se aplica fuera del retrato convencional. Incluso si la persona mira fuera de cámara, tu reacción natural es seguir sus ojos. Mira la obra de Cartier-Bresson para ver cómo usa esto sutilmente, convirtiendo escenas cotidianas en imágenes absorbentes, surrealistas.
Los ojos tienen efecto hipnótico. Mirándote, no puedes dejar de mirarlos. Mirando otra cosa, quieres ver qué ven. Cuando miran fuera del encuadre, crean tensiones que, bien manejadas, añaden nueva dimensión.
Como muchas reglas de composición, no se logra con planificación: examinando fotos impresas y cómo funcionan, absorberás las ideas y las usarás sin pensar.
Este tiro simple nos dio un dilema: ¿modelo mirando los regalos de San Valentín o a la cámara? Lo obvio sería mirara las flores para reforzarlas como punto de interés. Pero no lo son.
Lo que realmente fotografiamos es la emoción de la chica al recibir las flores. Necesitamos flores y cara como centros coordinados. Las flores ganan protagonismo por color y novedad, pero su cara nos llama por el contacto visual directo. Este contacto nos permite compartir la emoción.
Para capturar el contacto visual directo, simplemente llama su nombre, dispara y su momento especial queda registrado para siempre.
Identificar al sujeto y qué quieres capturar es la parte fácil. El problema: mientras lo haces, tu atención se distrae del fondo hasta que apenas lo notas. Es naturaleza humana, pero el fotógrafo debe ver las cosas literalmente: una impresión retrata sin piedad el desorden y confusión que tu visión selectiva pasa por alto.
Paso 1: Busca al sujeto. Paso 2: Analiza su fondo. Puede que ya tengas idea del ángulo e iluminación, pero si el fondo falla, todo es tiempo perdido.
Puede que puedas mover a los sujetos, pero si documentas un evento público (ej. recreadores de WWII), no tienes ese lujo. No vayas por el primer disparo que se vea bien. En el ejemplo, soldados de época tenían de fondo espectadores modernos. Unos momentos buscando posición dieron fondo más simple con sentido de lugar: árboles que encajan en cualquier campo de batalla WWI. Moverse para que el sol no esté en el encuadre simplifica la exposición.
Experimenta con tu posición vertical. De pie, los soldados parecían ordinarios; agachados, más grandes e imponentes. También cambia tu punto de vista vertical para ver qué aparece en el fondo.
Otra forma de controlar el fondo: experimenta con posición del zoom. La foto de gente es más favorecedora a distancias focales más largas, y esto magnifica efectivamente el fondo. Útil si solo hay pequeña zona libre detrás del sujeto. Con gran angular es más difícil controlar qué se ve en el fondo. Aquí, sin embargo, el gran angular dio un punto de vista más fuerte y dramático.
Hemos dicho que disparar desde abajo rara vez favorece, pero a veces hay excepciones. Para eliminar público no deseado en el fondo, nuestra única opción fue disparar hacia arriba, al cielo. La distorsión no es mala porque la cara es relativamente pequeña y lejana en el encuadre.
Los cielos ofrecen buenos fondos para retratos imponentes, pero necesitas cielo azul en día soleado; cielos cubiertos son demasiado brillantes respecto al sujeto. Observa el contacto visual: en estos tiros quieres que el sujeto mire significativamente a la distancia. Si mira a cámara, parece que se pregunta por qué el fotógrafo está tumbado en el suelo.
"Fotografía" viene del griego "phos" (luz) y "graphis" (pincel): "pintar con luz". No dice nada sobre cajas de luz, reflectores u otra parafernalia profesional.
No abordes el retrato con nociones preconcebidas; las mejores fotos se descubren, no se construyen. La iluminación espectacular de la imagen superior vino del espejo del baño. Un flash de cámara habría creado cara plana con poca variedad entre sombras y luces.
Usando luz disponible desde un ángulo, el contraste resultante saca los contornos de la cara mucho más eficazmente. La iluminación dura no necesariamente funciona para retrato femenino, quizás porque buscamos cosas diferentes: suavidad, delicadeza vs. fuerza, drama en masculino. Pero para un femme fatale estilo cine negro, la luz dura puede dar resultados interesantes.
Nuestra imagen principal ilustra cómo usar principios de luz y oscuridad en retrato tan fácilmente como en otros tipos de disparos. Las partes oscuras o negras no son espacio muerto: definen la forma de tonos claros y la estructura de toda la fotografía. Las áreas oscuras actúan como contrapunto de las claras; el equilibrio entre ambas produce la composición.
La fotografía en color ha embotado el sentido de luz/oscuridad. El retrato clásico B&N de Yousuf Karsh es un mundo aparte de la fotografía comercial actual, mostrando dominio total de sombra y tono. Ves el mismo contraste en cine: sets contemporáneos suaves vs. iluminación dramática del cine negro. ¿Qué prefieres?
Puede ser más fácil explorar luz y sombra disparando en B&N. Tentador fotografiar en color y convertir, pero si disparas en modo mono, la cámara muestra B&N en su LCD, ventaja que los fotógrafos de antaño nunca tuvieron.