Todo el mundo puede hacer fotos nítidas y bien expuestas. ¿Y qué? Una imagen técnicamente impecable sin un concepto convincente no mueve a nadie. Ansel Adams dijo: «No hay nada peor que una imagen nítida de un concepto difuso». Si tus fotos no emocionan, tu trabajo pasará desapercibido.
Dar el salto más allá de lo «conceptualmente difuso» no ocurre de la noche a la mañana; lleva tiempo y mucha práctica. Llevo 20 años fotografiando y sigo aprendiendo a afinar mi visión artística. No hay atajos, pero comparto mis cinco técnicas favoritas para inyectar energía, vida y significado a tus imágenes.
Minor White: «No se debe fotografiar solo lo que las cosas son, sino para qué más son». La abstracción artística —ver los elementos visuales «para qué más son»— es clave para afilar tu visión. Piensa en los elementos de la escena no como cascadas, montañas y árboles (interpretación literal), sino en términos de perspectiva (profundidad y escala), relaciones espaciales (colocación y disposición) y formas (triángulos, curvas, líneas, círculos). La composición no es más que hallar cómo relacionar esos componentes abstractos. Aprender a pensar abstractamente es lo más importante para mejorar tus habilidades artísticas.
El pensamiento abstracto revela posibilidades creativas que de otro modo perderías. Ejemplo: tres elefantes cruzando un charco al atardecer. El pensamiento abstracto me permitió ver el potencial artístico de combinar su reflejo con una exposición creativa. Resultado: una fotografía abstracta que va más allá del mero documento y despierta la curiosidad del espectador.
Robert Capa: «Si tus fotos no son lo bastante buenas, no estás lo bastante cerca». A menudo, cuando un fotógrafo lucha por encontrar un concepto coherente, la razón es simple: no está lo bastante cerca de su sujeto.
En paisaje, «acercarse» significa «acercarse a un primer plano interesante». Un primer plano con peso es vital: establece relación entre la parte inferior y superior de la foto, aumenta el interés visual y guía la mirada del espectador al interior de la escena. Como el primer plano es lo primero que encuentra el ojo, debe ser interesante y relevante para la composición; debe ayudar a crear profundidad y progresión visual.
¡No cualquier primer plano sirve! Resiste la tentación de poner cualquier cosa solo para tener algo ahí. Tómate el tiempo para encontrar uno que realmente funcione hacia tu objetivo de cautivar y atrapar visualmente al espectador.
Los gran angulares son ideales para yuxtaponer primer plano y fondo: te permiten llegar muy cerca del elemento frontal y exagerar su importancia relativa. A menudo digo a mis clientes que, en cierto sentido, el primer plano se convierte en el sujeto, o al menos debe ser tan importante como el fondo.
Al exagerar el tamaño del primer plano con un gran angular, llenas fácilmente la parte inferior del encuadre, elevando instantáneamente su importancia. Usé esta técnica en un desierto de alta altitud en el norte de Argentina: acercándome mucho con un gran angular a formaciones de sal interesantes, pude exagerar su forma y crear una relación visual atrevida entre primer plano y nubes de tormenta al fondo.
Los principiantes ven algo llamativo y apuntan la cámara sin refinar la escena. Resultado: demasiado dentro del encuadre, composición desordenada y caótica. La fotografía trata tanto de qué excluir como de qué incluir. ¡A veces menos es más! Llamo a esto el arte de la exclusión: simplificar y destilar una escena a su esencia. Ejemplo: en esta foto de un osezno polar, opté por una presentación sencilla, limpia y gráfica, encuadrando ajustado al oso pero esperando el momento expresivo para crear una historia.
Pero cuidado: a veces se corre el riesgo de ser demasiado simple. Dominar la exclusión es vital, pero igual de importante es el arte de la inclusión: aprender a trabajar con escenas complejas e incluso caóticas. Las lecciones de simplicidad ayudan aquí. Busco siempre una forma audaz y gráfica que ate la composición y domestique el caos. Unir simplicidad y complejidad permite crear composiciones sofisticadas con fuerte impacto inicial y que mantienen el interés. Ejemplo: en esta gran angular, una curva simple —creada por la confluencia de la ola entrante con la nube de tormenta dramática— se convierte en el eje central.
Veo a muchos fotógrafos ir a lo seguro con la luz: disparar solo cuando los sujetos están iluminados uniformemente (frontal, nublado). La luz segura produce imágenes técnicamente competentes, pero rara vez emocionan, inspiran o enganchan la curiosidad. Olvida la luz mansa. Busca luz como una bestia indómita. Condiciones espectaculares son difíciles, pero bien manejadas, las recompensas valen la pena.
Mi estilo favorito es contra la luz (contre‑jour): apuntar la cámara hacia una fuente de luz como el sol. Esto contraluzza al sujeto, aumenta el contraste y a menudo oculta detalle. También me gusta disparar con mal tiempo y en el borde de la luz para resultados únicos. A menudo digo: cuando humedad y luz chocan, suele haber magia fotográfica. Un poco de niebla transforma una escena en un bosque mágico; me permitió ser creativo con luz y composición, transformando la luz del mediodía, doméstica, en algo audaz y convincente.
Haz que cada imagen valga más que mil palabras. Las mejores fotos cuentan una historia en vez de solo registrar un lugar o momento. Cuando hay una historia detrás, especialmente misteriosa, el espectador se engancha emocionalmente, invitándole a quedarse y estudiar la foto. Todo —personas, animales, lugares, objetos— tiene una historia; el fotógrafo debe averiguarla y presentarla convincentemente. Esfuérzate por ir más allá de instantáneas bonitas y captura momentos expresivos.
Exposición, composición, momento y luz pueden usarse creativamente para contar la historia de tu sujeto. Haz tus fotos interactivas: cualquier cosa que invite al espectador a entrar en la escena provoca reacción emocional (ejemplo simple pero potente: contacto visual con el sujeto). Usé varias de estas técnicas al fotografiar este gorila de montaña en Ruanda. Buscaba contar la historia de estos animales enigmáticos y solitarios, así que lo fotografié a través de un hueco en una pantalla de hojas para crear una presentación misteriosa. Al disparar a diafragma abierto con teleobjetivo, las hojas se vuelven manchas abstractas de color desenfocado. Disparé cuando el gorila hizo contacto visual conmigo (y, por extensión, con el espectador).
Las personas y la fauna no tienen monopolio de las historias; los lugares y objetos también la tienen. En paisajes, una forma de contar historia es establecer un «sentido de lugar»: encontrar algo único del paisaje que fotografías. Pregúntate: ¿qué me inspira o atrae de esta escena? ¿Qué parece único para mí? ¿Qué hay aquí que no se encuentra en otro sitio? ¿Qué elementos cuentan mejor su historia? Las respuestas dictarán qué incluir en la composición, asegurando que tu visión artística se refine y se comunique claramente.
Ian Plant, fotógrafo profesional de renombre mundial e imagen principal de Tamron, colabora habitualmente en Outdoor Photographer y otras revistas. Más sobre su trabajo y su ebook gratuito «Essential» en ianplant.com.