¿Miraste alguna vez una pintura o ilustración y te preguntaste "¿cómo la convierto en fotografía?"? En este artículo haremos precisamente eso. Estudiaremos una ilustración de J.C. Leyendecker y la convertiremos en fotografía usando técnicas de preproducción, producción y postproducción de una sesión importante.
Ilustración de Leyendecker para cuellos Arrow a principios del siglo XX. Aquí está la ilustración que convertiremos. Aparte de lo obvio (atrezzo, modelos, vestuario), lo crucial es estudiar la iluminación. La luz será normalmente la parte más difícil: los pintores inventan su luz con pintura; los fotógrafos debemos crearla realmente con fuentes.
Bocetos simples ayudan a manejar escenarios complejos. Como no podemos pintar sombra o luz en foto, hay que averiguar de dónde viene la luz y cómo recrearla. Preguntas clave:
Primero, determinamos fuente de luz por las sombras en la ilustración (sombras siempre en lado opuesto a la luz). Los reflejos, especialmente los contrastados, dan mejores pistas de direccionalidad.
Segundo, decidimos cuántas fuentes generarían ese efecto. Primera luz evidente: lámpara de mesa da luz bastante dura en modelo izquierda y ribete en perfil derecho. Segunda fuente: alta y a la derecha, dando luces a superficies derechas. Pero por experiencia y reflejos en pelo, mano y calzado del modelo izquierdo, hay tercera luz. Esta trae las superficies restantes a la vista.
Tercero, calidad de cada fuente: nos da idea de modificadores y ratios. Luz de lámpara: semi-dura (sombras duras en cara modelo izquierda, ribete en perfil derecho). Luz superior derecha: más suave pero direccional. Tercera luz (izquierda): calidad similar a la derecha.
Cuarto, color: escena será cálida por balance de tungsteno de lámpara. Es ilustración antigua; papel amarillea con el tiempo. Será cálida, pero no tan amarilla como se ve. Geles de color ayudarán al look buscado.
Sobre calidad de luz y cuántas luces hay en la ilustración o se necesitan para imitarla, es partly gusto personal. Tengo en cuenta la claridad de líneas de Leyendecker en sombras y compenso porque la tela es más suave. Como creo que es un estudio o salón, la iluminación debe ser más suave que las fuentes duras que sugieren sus dibujos.
Objetivo no es replicar robóticamente, sino convertir en fotografía. Está bien tomar licencia artística y considerar limitaciones de equipo, localización y producción.
Aquí la foto puede ser más desafiante. Para la mayoría sin grandes presupuestos para comprar/alquilar todo, trabajar con lo que tenemos y DIY es opción razonable. Resolver problemas creativamente en preproducción y maximizar equipo disponible importa más que cámaras de lujo, luces y grip que el corazón desea. Casi todos los rodajes requieren ser un solucionador de problemas astuto, especialmente si el equipo falla o no está disponible.
En equipo fotográfico usé lo que tenía + artículos de hogar para dar forma a la luz. Fui a Home Depot por un par de elementos para sustituir lo que no tenía pero sería útil futuro:
Mucho más barato que alquilar kit de fondo y mucho más fácil de transportar. Atrezzo (lámpara, libros, mesa, etc.) es todo lo que queda fuera de encuadre. Por formación, compré lienzo de pintor grande y ahorré más con cinta de pintor resistente en vez de cinta gaffer. Fondo color uniforme permite composición más fácil. Cinta pintor resistente aguantaba lienzo sin quitar pintura de paredes —importante en espacios alquilados/prestados.
Me puse un poco fancy: disparo atado a portátil en Capture One Pro 6. Usar Capture One o disparar atado no es necesario, pero poder aplicar ajustes básicos de densidad/color y verificar detalles según llegan encuadres ahorra mucho tiempo. Me gusta Capture One: procesador RAW robusto, salida de TIFFs neutros, agradables y flexibles para refinar en Photoshop.
Impresión de referencia sobre Capture One ayuda a asegurar que trabajo hacia mi meta. También la usé para mostrar a modelos lo que quería.
Cámara en trípode es buena idea si hay posibilidad de componer imágenes o cambiar fondos. Mantener perspectiva igual hace que encajar piezas de distintas tomas que gusten sea más fácil y rápido.
Tenia mezcla de flashes y no suficientes PocketWizards, así que usé método mixto de disparo. Reto: sensor óptico en Einsteins dispara cada vez que 580EX II en cámara envía pre-flash para disparar el otro 580EX II, así que Einstein disparaba justo antes de abrir obturador.
Solución: cable de sincronización a un Einstein y el otro en esclavo óptico. Maestro en cámara a flash también. Pero no quería que flash de cámara contribuyera a exposición, así que lo puse a 1/128 potencia, muy por debajo de lo que cámara captaría. Ahora todas mis luces disparan correctamente.
Sala de reuniones convertida en estudio temporal. Esquema de disparo: flash cámara por cable y otro 580EX II derriba a Einsteins.
Monté fondo, atrezzo, ajustes cámara, luces y tenía todo marcado antes de que llegaran mis dos modelos. Estar ~100% listo fue clave porque solo tenían ~20 min de sobra. No había tiempo para tests con ellos presentes. Solo tenían que entrar, posar, y yo disparar haciendo pequeños ajustes a posición y luces.
Muchos fotógrafos dicen "solo tenía 5 min con esta celebrity", pero no dicen que pasaron horas configurando y probando para que esos momentos fueran máxima calidad. No incluye semanas/meses de conceptualización y planificación. Buena planificación y preparación van muy lejos, especialmente sin todo el equipo y ayuda que desearías.
Trabajé muy por encima de ambiente porque no quería sombras/reflejos no creados por mis flashes. Usé diafragma alto, velocidad alta, ISO bajo para anular luz solar por ventanas y contraluz de fondo. Luego rellené esa oscuridad con mis luces, creando el look buscado sin contaminación.
Esos valores me obligaron a bombear más potencia a flashes, especialmente 580EX II. Como tenía 3 pasos más de ambiente, usé Einsteins potentes como principales y flashes pequeños como acentos. Ayudó a mantener velocidades de reciclaje viables.
Importante notar cómo distancia y modificador afectan luz (calidad y salida) cuando recursos son limitados. Ayuda a decidir dónde poner luces, qué modificadores y qué flash para cada trabajo.
En cámara: focal elegida para capturar escena sin distorsión. En 1D Mark IV (sensor 1.3x crop), 24-70 mm sufre menos distorsión de bordes que en full frame. Focal más larga daría mejor compresión pero sacrificaría profundidad de campo. No quería cerrar diafragma extra y forzar 580EX a 6 seg para carga completa.
Ajustes cámara (para trabajar sobre ambiente y dentro de límites de flashes pequeños):
Ajustes flashes:
Luz principal y luz lámpara hacen el trabajo pesado. Añadí +0.7 pasos a luz lámpara porque geles absorben esa potencia. Relleno: invisible, levanta sombras sin firma propia. Luz ribete añadida a medio rodaje porque lámpara no daba suficiente separación.
580EX II pegado dentro de lámpara. Papel y aluminio como reflectores. Mejor que bombilla: controlo brillo con precisión. Reflector en suelo para rebotar luz principal en bajos de zapatos. Otra pequeña ayuda invisible.
Todo listo: luces, atrezzo, equipo en sitio y marcado casi exactamente. Si posible, usa sustitutos con misma ropa que modelos para juzgar mejor cómo actuará todo con gente en escena. Sin ese lujo, incluso con modelos bien puestos, tuve que mover luces.
Ejemplo: luz principal (Einstein en Softlighter) se derramaba sobre fondo. Lo animaba demasiado y dificultaría recortar fondo luego. Añadí gobo (cartón) bloqueando luz al fondo. Luz principal con gobo para evitar derrame, iluminación desigual.
Otro detalle: hacer que ropa se comporte. Camisetas suben de pantalones con tiempo, creando "muffin top"; hasta modelos delgados se ven anchos. Hice adaptación ad hoc con cinta pintor resistente para eliminar volumen.
Ganchos de ropa, cinta, grapas: trucos en sesiones para que ropa se vea bien en modelo para esa toma concreta.
Por pasar mucho tiempo planificando, preparar y testar, la sesión en sí tomó solo 20 min y ~50 disparos. Para que fluya bien en ese corto tiempo, di instrucciones claras y vigilaron detalles en portátil (parpadeos). Pantalla mayor de portátil permite pillar cositas que no se ven en LCD 3".
Había invertido ~5 horas en preparación; quería sacar lo máximo bien en cámara para no pasar horas en Photoshop corrigiendo errores que debieron hacerse en captura. Sería gran pérdida de tiempo y esfuerzo tener "la foto" arruinada porque alguien parpadeó y no me di cuenta.
Al poner énfasis en conseguir imagen bien en cámara, post fue simple y mínima. Disparé en Capture One Pro 6, aplicando balance de blancos personalizado, nitidez, niveles a cada tiro al importar.
Exporté como TIFF 16 bits en Adobe RGB a Photoshop. Quería mantener máxima info de RAW mientras trabajaba. 8 bits se degrada más rápido.
Aunque usé 18 capas, la que hizo trabajo más dramático fue máscara para extraer del fondo. El resto: esquivar y quemar preciso en distintas partes. Usé 6 capas de ajuste de curvas no destructivas para oscurecer y viñetear.
Parece mucho, pero cada capa dio control preciso no destructivo. Capa de curvas es herramienta sorprendente por control que da: ajustas curva, máscara, modos fusión, opacidad para precisar efectos.
Como dije, al tener gran parte de imagen bien en cámara, capas eran solo afinar y dar forma a luz ya existente. ~3 horas, eficiente, sin perder tiempo corrigiendo errores previos.
Hablando de errores, post no fue tan suave. La retrospectiva es 20-20, pero debería haber prestado más atención a esto para ahorrar más tiempo. Fondo de lona elegido era demasiado similar a color de pelo de modelo para que herramienta Refinar Máscara de Photoshop CS5 emplumara correctamente.
Tras minutos ajustando cada barra en esa herramienta, e incluso probando método de canales mayores, terminé usando pincel suave para enmascarar manualmente 2px los pelos correctamente. No fue difícil, pero tras horas de preproducción (empezando a las 4:00 AM) estaba cansado.
Próxima vez que cambie áreas de fondo, elegiré fondo que dé más contraste.
También hallé gran alternativa barata a cinta gaffer: cinta pintor resistente. Gaffer ~$18/rollo; cinta pintor $8/rollo. Ferreterías, especialmente grandes, son sitios geniales para hallar alternativas baratas pero eficaces a homólogos fotográficos específicos.
Por último, experimenté haciendo sesión mientras aprendía a convertir ilustración en foto. Mucha planificación va en sesión moda/comercial. Estas cosas no son casualidad. También es mucho trabajo duro haciéndolo solo. Tener asistente me habría ahorrado mucho tiempo en montaje y tests de luz.
Resultado: 20 min de sesión... + 5 horas setup + 3 horas post. No hay problema.
Espero que disfrutaras este detrás de cámaras y saques buenas ideas para tu próximo proyecto, especialmente si es moda o comercial. Si alguien dice que algo tomó "5 minutos", probablemente no es del todo cierto. La pasta solo tarda minutos en cocerse, pero esperar a que hierva el agua es otra cosa. Este tipo de fotografía se parece mucho a eso.