La fotografía de eventos es un negocio importante. Pocos profesionales han evitado por completo este sector. Puede ser divertido y gratificante, pero también es un entorno de alta presión donde se exigen resultados consistentes en plazos muy ajustados. En este tutorial te guiaré por todos los pasos necesarios para dominar esta faceta rentable de la fotografía.
He sido fotógrafo principal en todo tipo de eventos: desde pequeños y formales hasta grandes y bulliciosos. Mi formación es fotoperiodismo, así que «retratar gente» es lo que mejor se me da. Aunque los objetivos cambian, muchas técnicas del fotoperiodismo se aplican directamente a la fotografía de eventos.
Este año me contrataron para cubrir una importante serie musical en mi ciudad: diez eventos en un mes, cada uno con concierto y recepción posterior. Una tarea de enormes proporciones, pero una experiencia increíble. Disparé cerca de 7.000 fotogramas y entregué más de 300 imágenes editadas. Quiero compartir cómo lo hice.
Los grandes encargos no caen del cielo tras comprar tu primera cámara. Hay que labrarse el camino. Además de mi experiencia en prensa, asistí a muchos fotógrafos antes de encargarme yo de grandes eventos.
Previamente trabajé en los Juegos Mundiales de Coro: 15.000 participantes de 60 países durante 14 días. No estaba a cargo; disparaba lo que me asignaba el fotógrafo jefe. Coordinar 40 voluntarios y media docena de profesionales pagados era una locura, pero se gestionó bien gracias a alguien con más experiencia.
Aquella fue una experiencia de baja presión y alto volumen: disparé mucho y si fallaba no era el fin del mundo. Buscad oportunidades así; son la mejor escuela y llevan directo a encargos mayores como la serie musical.
Mantened vuestro nombre visible: web activa, redes sociales, asistid a eventos donde estén vuestros clientes potenciales. Si os gusta la fotografía musical, id a conciertos. El contacto para la serie llegó por Facebook.
Cuando te contactan, suele ser porque ya encajas en su presupuesto. A veces quieren ver más trabajo o charlar, pero la «línea base» es el presupuesto.
Cada uno cotiza a su modo. En EE. UU. es ilegal que fotógrafos acuerden tarifas (colusión). Yo cobro por hora. Digamos 3.000 €/h (usaré «bolsas de cacahuetes» como moneda genérica). En mis presupuestos duplo esa tarifa porque sé que dedicaré igual tiempo a editar que a disparar, aunque solo cobre las horas de rodaje.
Matemática simple: ¿cuántas horas vas a disparar? En mi caso, ~30 h → 90.000. Sumad desplazamientos, parking, imprevistos → redondead a 100.000. Ahí tenéis la oferta. La mayoría de clientes no quieren desglose, pero usad la misma cuenta. Doy ~10 % de descuento si veo repetición, y añado 50 % si el trabajo es muy incómodo. Y recordad: hay que estar dispuesto a negociar.
Una vez aceptada la oferta, definid expectativas en dos áreas clave: cobro y entrega.
Pago: lo habitual es cobrar al entregar la última foto. Quienes vivimos de esto solemos pedir 50 % por adelantado (reembolsable si se cancela). Algunos piden el 100 %. Depende de vuestra comodidad.
Entrega: la mayoría quiere las fotos en 24-48 h. En mi caso, la misma noche del evento. Imaginaos el problema si no se acuerda antes: el cliente se enfada si tardas días, y tú puedes tener otros compromisos esa noche. A veces el cliente no sabe cuándo las quiere; es vuestro trabajo sacar el tema y ayudar a decidir.
Hay un tercer actor: el propietario del recinto. Los organizadores alquilan el espacio; ellos deben saber que estaréis allí. Si es posible, reuníos con ellos para ver cómo gestionan habitualmente a los fotógrafos. Podéis descubrir balcones inseguros o acceder a zonas normalmente vedadas.
En mi serie de conciertos había muchos recintos distintos. Pedí a un responsable del evento que gestionara los accesos.
Debéis ser conscientes del tipo de evento. La música clásica no se amplifica; es solemne, a veces silenciosa. No podéis disparar desde la primera fila a ráfagas: distraéis al público y al intérprete. En algunos recintos, el obturador sonaba como un escopetazo.
Solución: poned la cámara en disparo único, usad «modo silencioso» si lo tenéis, y sincronizad los disparos con los pasajes más fuertes. Sed corteses; si sois groseros para «conseguir la foto», no os volverán a llamar.
Los organizadores contratan por razones distintas. Saber cómo usarán vuestras fotos dicta qué disparáis.
En mi caso, servían para promocionar en redes sociales y generar interés: buscaban fotos divertidas, público aplaudiendo, saltando. Si fueran para anuncios, centraría todo en artistas e instrumentos. Si para buscar patrocinios, sería exhaustivo: planos generales del recinto, detalles de marca, etc. Esto debe ser parte explícita de la conversación de expectativas.
Estudiad el horario: conseguid copia impresa, tomad notas de dónde queréis estar y qué fotografiar en cada momento. Entrad pronto al recinto para explorar: localizad posiciones de tiro, resolved logística, verificad accesos.
Por último, preparad el equipo. Antes de cada bolo saco todo lo que creo necesitar y lo reviso: ¿qué objetivos? ¿filtros? ¿tarjetas y baterías suficientes?
En el evento, identificad rápido a la gente clave. Si conocéis a alguien antes de que empiece, hacedle una foto de referencia; la tendréis al principio de la tarjeta para localizarla luego.
Si venís de prensa, cuesta acostumbrarse a que el CEO del patrocinador principal es prioridad. Pero en modo «fotógrafo de eventos», si es importante para el organizador, lo es para vosotros.
No puedo deciros exactamente qué disparar; cada evento y cada fotógrafo es distinto. Pero para imágenes promocionales (todos los usos posteriores):
Podéis amar Photoshop y el procesado artístico, pero en eventos no es buena idea. Editad para que gusten a todos, no solo a vuestros amigos fotógrafos.
Hay muchas formas. La mía funciona; adaptadla si tenéis mejor.
Querían fotos ya. Entregué 20-30 justo tras cada evento: 1500 px lado largo, algo comprimidas. Por email (tres o cuatro mensajes con lotes). Anticuado; la próxima vez propondré Dropbox/Google Drive.
Mi diferencia: entrego todo. Al final de la serie, un disco duro barato con todas las fotos organizadas por evento: carpeta de edición reducida, carpeta de tamaño completo, carpeta «originales» con todo lo disparado. La gente flipa con esto.
A veces es mejor subir las fotos directamente donde el cliente las necesita: a Facebook si solo quieren unas pocas allí, o a la imprenta si trabajan con una, para que no se pierda información técnica.
Algo que he mejorado con el tiempo: enviar fotos a quienes conozco en el evento (artistas, técnicos, clientes). Si consigo su tarjeta o los encuentro online, les envío una foto. Suelo pedir permiso a la organización, pero rara vez ponen pegas. Nunca cobro por estas fotos: es marketing para mantener mi nombre en su mente.
En programación, un «easter egg» es un extra sorpresa. Me gusta incluir algunos en la entrega: fotos más artísticas con efectos, o divertidas con gestos a cámara. Mis favoritas: retratos de los hijos de los clientes. En la serie de conciertos, los niños iban arreglados y en su mejor comportamiento; una foto de esa noche especial es un detalle que los padres valoran enormemente.
Durante eventos de varios días, los organizadores no quieren hablar la noche del show. Unos días después, llamad para ver si están contentos. Si echaron algo en falta, sed corteses y aceptad la sugerencia: al final, ellos pagan.
Tras el último evento, envío una tarjeta de agradecimiento manuscrita. Tres minutos que generan más negocio que cualquier otra acción. La fotografía es rutina; los detalles marcan la diferencia.
Todo esto construye reputación y clientes recurrentes. Si lo hicisteis bien, os llamarán. Pero podéis recordárselo suavemente:
Tras varios encargos así, podéis tener una carrera a tiempo completo en vuestras manos.